Meet Tetsuei Nakamura, a contemporary Japanese painter who bridges the divide between Nihonga (traditional Japanese painting) techniques and modern sensibilities, and whose work blurs the distinction between art as artefact and art as life.
中村哲瑛（なかむら てつえい）は、日本画の技法と現代的な感性を融合させ、芸術を「遺物」ではなく「生きたもの」として捉える革新的な画家です。
One of Nakamura’s most significant contributions to contemporary Japanese painting is his large-scale mural work. His commissions include paintings for Enryaku-ji Temple, one of Japan’s most historically significant Buddhist sites, as well as a temple in India. These monumental works demonstrate his ability to translate traditional Japanese techniques into immersive, architectural contexts, reinforcing the spiritual and meditative dimensions of his art. His murals are not merely decorative; they engage in a dialogue with the surrounding space, enhancing the sacred atmosphere of the sites they inhabit.
中村哲瑛さんが現代日本画にもたらした最も重要な貢献のひとつが、大規模な壁画制作です。彼の代表的な作品には、日本仏教の歴史的聖地である延暦寺や、インドの寺院のために描かれた壁画があります。これらの壮大な作品は、日本画の伝統技法を建築空間へと昇華させ、芸術の持つ精神的・瞑想的な次元をさらに深めています。哲瑛さんの壁画は単なる装飾ではなく、空間と対話し、その場に宿る神聖な雰囲気を引き立てる役割を果たしているのです。
Beyond religious and cultural sites, Nakamura has extended his artistic vision to contemporary interior design. A striking example is Room No.101 at THE SCREEN, a boutique hotel in Kyoto, where he designed a space that seamlessly integrates symbolic fusuma paintings with traditional Japanese architectural elements. The room’s latticework walls, folding screens, and miniature garden create a serene, almost theatrical environment where guests can experience Kyoto’s artistic heritage in a modern setting. Similarly, his work for BRON RONNERY, the hotel's restaurant, features an ink wash painting of a dragon on fusuma doors, complemented by ceiling paintings representing the four seasons. These designs demonstrate his ability to merge fine art with functional spaces, creating immersive environments where visual art and daily life intersect.
宗教や文化的な場にとどまらず、哲瑛さんの芸術的視野は、現代のインテリアデザインにも広がっています。その代表例が、京都のブティックホテル「THE SCREEN」の客室「Room No.101」です。この空間では、象徴的な襖絵と伝統的な建築要素がシームレスに融合し、格子壁や折りたたみ式の屏風、枯山水のミニチュア庭園が静寂に満ちた、まるで舞台のような環境を生み出しています。さらに、同ホテル内のレストラン「BRON RONNERY」にも彼の作品が取り入れられており、襖に描かれた水墨の龍や、四季を表現した天井画が空間に格調高い躍動感をもたらしています。哲瑛さんは、純粋美術と機能的空間を見事に融合させ、視覚芸術と日常生活が交わる没入型の環境を創造しているのです。
Tetsuei is also known for his collaboration with the luxury car maker Bentley, where he applied his signature Japanese motifs to a limited-edition series of Bentley cars. The designs prominently feature traditional Japanese elements such as maple leaves and cherry blossoms, meticulously hand-painted onto the hood with a refined aesthetic reminiscent of Nihonga techniques.
また、哲瑛さんはラグジュアリーカーブランド「ベントレー」とのコラボレーションでも知られています。限定モデルの車両に彼独自の日本画モチーフを施し、楓や桜といった伝統的な意匠を、丹念に手描きでボンネットに描き出しました。その繊細な美意識は、日本画の技法を彷彿とさせ、洗練された芸術作品としての存在感を放っています。
Nakamura’s practice embodies the ongoing evolution of Japanese painting in the contemporary era. By embracing historical techniques while exploring new applications and settings, he ensures that Nihonga remains a dynamic and relevant form of artistic expression. His work not only preserves the legacy of Japanese art but also expands its possibilities, demonstrating that tradition and innovation are not opposing forces, but rather, essential components of artistic progression.
哲瑛さんの創作活動は、現代における日本画の進化そのものです。伝統的な技法を守りながらも、新たな表現の場を切り拓くことで、日本画を今なお躍動する芸術として生かし続けています。彼の作品は、単に過去の遺産を継承するのではなく、日本美術の可能性を押し広げるもの——伝統と革新が対立するのではなく、むしろ共鳴し合いながら芸術の進化を支える両輪であることを証明しているのです。
Tetsuei’s paintings of the seasons and nature reveal a profound sensitivity to the rhythms of the natural world. His works transcend mere representation, immersing the viewer in an atmosphere where time seems to slow, allowing nature’s quiet poetry to unfold. Whether capturing the gentle unfurling of cherry blossoms, the crisp brilliance of autumn foliage, or the hushed stillness of winter, Tetsuei approaches each subject with a deep reverence for its fleeting yet eternal essence.
His palette shifts fluidly with the changing seasons, evoking the warmth of spring’s tender greens, the sultry richness of summer’s deep blues, or the brittle elegance of frost-laden branches. He masterfully conveys not only the visual splendor of these transformations, but also their emotional undercurrents—spring’s quiet promise, autumn’s wistful nostalgia, winter’s solemn introspection.
哲瑛さんの四季と自然を描く絵画には、自然界のリズムに対する深い感受性が宿っています。彼の作品は単なる風景の再現にとどまらず、時の流れが緩やかに感じられるような空間へと観る者を誘い、自然が紡ぐ静かな詩情を浮かび上がらせます。桜の蕾がほころぶ優美な瞬間、秋の紅葉が織りなす鮮烈な輝き、冬の静寂に満ちた白銀の世界——哲瑛さんは、どの季節の情景にも、儚くも永遠なる本質への深い敬意をもって向き合います。
彼のパレットは、移りゆく季節とともにしなやかに変化し、春のやわらかな緑の温もり、夏の深い藍の濃密な輝き、霜に覆われた枝の凛とした気品を見事に描き出します。その筆致は、ただ視覚的な美しさを超えて、季節の奥底に流れる感情の機微までも伝えます——春の静かな希望、秋の郷愁に満ちた余韻、冬の厳かなる内省。そのすべてが、哲瑛さんの絵の中で詩のように紡がれていくのです。
Texture plays a pivotal role in Tetsuei’s work, with delicate layering techniques that lend his compositions a luminous depth. Leaves seem to whisper as they fall, water shimmers with an elusive softness, and petals appear to drift as though carried by an unseen breeze. There is a palpable sense of movement, yet his paintings retain an overarching stillness, capturing moments suspended between change and permanence.
哲瑛さんの作品において、質感は極めて重要な役割を果たしています。繊細な重ね塗りの技法によって、画面には奥行きと光のゆらめきが生まれます。舞い落ちる葉はそっと囁くように、揺れる水面は儚げな輝きを放ち、花びらは見えぬ風に運ばれるかのように漂います。
そこには確かに動きが感じられるのに、作品全体には静寂が宿り、変化と永遠のはざまにある一瞬が静かに封じ込められているのです。
Tetsuei’s nature paintings are not simply landscapes; they are meditations on impermanence, a theme deeply rooted in Japanese aesthetics. His brushwork invites the viewer to experience nature not as a distant spectacle, but as a lived, intimate presence—one that shifts and breathes with the passage of time. Through his art, he offers a space for reflection, a sanctuary where nature’s quiet grandeur unfolds in all its subtle, ever-changing beauty.
哲瑛さんの自然画は、単なる風景画ではなく、日本の美意識に深く根ざした「無常」の瞑想そのものです。彼の筆致は、自然を遠くから眺めるものではなく、時とともに息づき、移ろいゆく存在として親しく感じさせます。
彼の作品には、静かに思索するための空間が広がっています。そこは、自然の静謐な壮麗さが、繊細でありながらも絶えず変化する美として、ありのままに立ち現れる聖域なのです
Tetsuei is renowned for his ethereal and intricately detailed paintings of goldfish. His work captures the ephemeral beauty of these creatures in a manner that is both meditative and mesmerizing. These goldfish—rendered in layers of luminous pigment—seem to exist in a liminal space between realism and dreamlike abstraction. Each brushstroke, executed with exquisite precision, conveys the weightlessness of the fish as they drift through their aqueous realms. Their scales shimmer with an almost otherworldly glow, a testament to the artist’s mastery of color and texture.
哲瑛さんは、幻想的で精緻な金魚の絵画で広く知られています。彼の作品は、金魚の儚き美を、瞑想的でありながらも魅惑的な筆致で捉えています。幾重にも重ねられた透明感あふれる顔料によって描かれた金魚たちは、写実と夢幻の狭間に漂うような存在感を放ちます。ひと筆ひと筆に込められた繊細な技が、水の中をたゆたう金魚の無重力感を見事に表現し、その鱗は異世界のような輝きをたたえています。色彩と質感を操る哲瑛さんの卓越した技術が、そこに息づいているのです。
At the heart of Tetsuei’s work is a reverence for nature and the unseen forces that govern its rhythms. His paintings are not merely representations of goldfish but rather invitations to reflect on the passage of time, the fragility of existence, and the sublime harmony found in the simplest of movements. Through his art, Tetsuei reminds us that beauty is both transient and eternal, much like the goldfish he so masterfully brings to life on canvas.
哲瑛さんの作品の根底にあるのは、自然への畏敬の念と、それを支配する見えざる法則への深い洞察です。彼の描く金魚は単なる生き物の再現ではなく、時の流れ、存在の儚さ、そして最もささやかな動きの中に宿る崇高な調和への誘いなのです。美とは、儚くも永遠である——哲瑛さんの絵画は、まさにその真理を映し出しています。
Goldfish hold a special place in Japanese art and culture, symbolizing prosperity, perseverance, and fleeting beauty. Tetsuei builds upon this legacy, transforming his subjects into poetic expressions of transience. His compositions, often set against subdued backgrounds, evoke a sense of quietude, as if the viewer has stumbled upon a moment of serene contemplation.
金魚は、日本の美術と文化において、繁栄や忍耐、そして儚さの象徴とされてきました。哲瑛さんはこの伝統を受け継ぎながら、新たな息吹を吹き込み、金魚を「無常の詩」として昇華させます。静謐な背景に浮かぶその姿は、まるで偶然にも静けさに満ちた一瞬に立ち会ったかのような感覚を呼び起こします。
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